绘画，主要是利用线条、明暗、色彩及构图，在一个平面上表现物象的形体和神韵，来再现生活，表达人们审美意识的视觉艺术。

绘画艺术作为最古老的艺术形式之一，它诞生于人类文明的初始，成长在社会历史的发展进程中。它以其特有的形式，形象而直观地描绘或记录着人类自己的斗争和生活历程，传达着某种思想感情和审美意识。绘画艺术的种类繁多，大体上分为东西两大体系。东方绘画是在古埃及、波斯、印度和中国等东方文明古国发展起来的，以中国画为主；西方绘画是从古希腊、古罗马发展起来的，以欧洲为中心，以油画为主。另外，根据绘画所使用的物质材料和技巧的不同，可分为帛画、水墨画、油画、壁画、水彩画、水粉画、版画等；根据题材的不同，分为肖像画、风景画、静物画、风俗画等；根据画面形式的不同，分为单幅画、组画、连环画等。由于各种绘画所使用的物质材料及表现技巧存有差异，各有其内在的规律。但是，作为绘画艺术，它们又具有共同的特征。

第一，形象的直观、明确性。东汉王延寿在著名的《鲁灵光殿赋》中描述殿中壁画时说：“图画天地，品类群生。杂物奇怪，山神海灵。写载其状，托之丹青。千变万化，事各缪形。随色象类，曲得其情。”可见，绘画善于捕捉自然界和社会中的各种可视的形象，把它们表现在一个平面上，成为一种可以直接观赏的艺术。在近代发明摄影技术以前，绘画是唯一可以用来录存各种具体事件和生活现象的一种手段。过去人们的生活、斗争、风俗，以及大自然的风光，都已远离我们而成为过去，但是，绘画都可以把它们固定在画面上，供我们欣赏。难怪晋朝陆机说：“宣物莫大于言，存形莫善于画。”例如我国唐朝制丝业很发达，那么，具体的生产过程如何呢？唐代画家张萱的《捣练图》，按劳动工序，描绘了捣练、检修、熨烫三个场面，这就把唐代妇女制作丝绢的劳动过程形象地呈现在人们面前，使人一目了然。可见，绘画在表现生动的直观世界方面，具有很大的灵活性和优越性。

绘画形象的直观性，也就决定了其艺术形象的明确性，这是绘画艺术的长处。如文学形象，虽然也是通过阅读作品看到的，但实际上人们所看到的只是一些抽象的文字符号，因此，不论作家描绘得如何细致入微、栩栩如生，对读者来说，这形象只能是“如见”而已，并非亲眼所见，读者也只能凭借自己的想象再造出“一千个哈姆雷特”。而绘画艺术的形象则不然，由于它是直观的，表现的是观赏者视觉直接感应的东西。所以，形象一经完成，即凝固在画面上，这鲜活、明了的形象，对于观者来说，就是具体明确的，不再具有形象的差异，如果一个画家根据自己的心神所见把哈姆雷特的形象凝固在画面上，那么哈姆莱特的形象就会变得十分明确了。可见，画家是直接在你的眼前呈现丰富生动的直观世界，以便使你饱览各种风貌，认识各种人物，经历各种场面。宋代张择端的《清明上河图》，就以宏大而严谨的结构，直观地展示了当年京城汴梁（今开封市）的城市生活。作品通过那形形色色、熙熙攘攘、百货俱陈、百态俱全的真情实景，把北宋末期工商业发达的面貌，以及隐藏在这繁华景象背后的那种闲者酒楼欢宴、劳苦者辛勤操作的贫富差别，栩栩如生地表现了出来。

第二，画面的凝固、瞬间性。绘画艺术形象是凝固不动的片刻形象，是通过“一瞬间”的画面来反映生活的，因此，绘画在反映事物的发展及传达人物的内心情感方面具有很大局限性。它不像文学那样，可以直接抒发人物的内心，表现事件随时间而延续发展的进程，而只能在画面所描绘的“瞬间”范围内直接展现事件，间接地显示来龙去脉。也就是说，为了尽可能克服这“一瞬间”的不足，绘画艺术必须使自己的形象隽永耐味、富有想象力，要做到这点，就要善于捕捉和提炼那最富有表现力、最有意味的“一瞬间”。黑格尔曾指出，绘画“只能抓住某一顷刻”，把“其中正过去的和正要到来的东西都凝聚在这一点上”。莱辛也主张绘画“要选择最富于孕育性的那一顷刻”，因为“这一点”反映着矛盾冲突发展到顶点之前的那一顷刻，所以往往既包含过去，又暗示着未来，给欣赏者以丰富的联想。列宾的油画《归来》，描绘的是一位革命者从监狱里出来，刚跨入家门的一瞬间的情景：革命者的从容，家人的惊喜表现得很突出，从这凝固的一瞬间，我们不是完全可以想象到一位革命者和他家人的完整的故事吗？因此，绘画，就应该特别注意捕捉某一接近戏剧性高潮的特定场景，来概括某个事物发展的前因后果，从而把动的过程蕴含在静的画面之中，给人以联想与想象，使绘画艺术突破时间、空间的限制，达到画里传神、画外有画的美妙境界。齐白石的《蛙声十里出山泉》，尽管画面上只有山泉和蝌蚪，但人们却会联想到声传旷野的蛙声和无数分布在水网地带的青蛙。这也正是中国画所一贯追求的“虚实相生，无画处皆成妙境”的意境。

第三，色彩、线条的表现力。绘画是“以彩色挂万象”的艺术，色彩的运用在绘画中占有重要的地位。特别是油画，具有色彩丰富、表现力强的特点。运用得好，能够表现人物复杂的思想感情和物体的色调层次，展示出人物性格、物体性能的丰富性和多样性。达·芬奇的《蒙娜丽莎》，对人物面部、胸部和手部的塑造，采用了“明暗转移法”，即让光线、色彩、明暗逐渐递减，使得画面的色调非常柔和协调，给人一种难以用肉眼觉察的色阶变化，富于立体感、空间感，人物如浮雕一般自然美丽。再如印象派的画家们，特别注重表现自然的光色变化与空气感，他们的作品一般不用混合色，而且用一笔笔的色块组成画面，给人以鲜明、斑斓而强烈的色彩效果。莫奈的《日出·印象》就主要表现了光色与雾气的变化。可见，色彩作为画家“感情的语言”具有很强的表现力。

除了色彩之外，线条的运用在绘画艺术中同样占有重要地位。绘画总是借助于一定的线条，来构成各种各样的艺术形象，传达画家的审美感受。线条在绘画创作，特别是中国水墨画的创作中具有很强的表现力，它可以表现出事物的质感、量感、空间感和运动感。例如徐悲鸿画马，或以国画彩墨技法，用坚劲浑厚的线条，先勾画出马的头部、躯干和腿蹄的轮廓，然后再施之以黑色或彩色，从而塑造出体壮膘厚、筋骨强实的肌体；或用大笔淡墨，先画马的主要关系，然后用泼墨法，趁墨迹未干，用线条勾画出马的轮廓和主要结构变化，显得淋漓浑厚；还有的以没骨法画四肢，挺劲的几笔，就把瘦硬、劲健的筋、骨、皮、肉画得形质俱在，这就使他画的马给人以刚劲而不枯瘠、丰润而不臃胖、奔而不飘、稳而不坠的感觉。可见，线条是创造形式美的重要因素。现实生活中，线条是多种多样的，有直线、曲线、折线、斜线、波浪线、蛇形线等，其中直线和曲线是两种基本的线。一般来说，垂直线给人以坚硬、挺拔、高昂之感，曲线则给人以舒展、柔和、流动、轻快的感觉，水平线给人以开阔、无限、平静的感受。画家正是利用线条的这些功能，来塑造物象的形体，表达艺术家的审美感受。

总之，色彩和线条是绘画艺术描绘形象、表达情感的基本手段，具有很强的艺术表现力，运用得当，就能塑造出形神兼备的艺术形象。