近日，第十三届AAC艺术中国·年度影响力评选提名奖的评选工作已经结束， 向公众正式公布。由国内外文化艺术领域重要的评论家、策展人、专家学者组成的AAC艺术中国顾问委员会共同完成了月旦评以及本届的候选名单后，评审委员会再次通过线上投票的方式，评选出本届“年度艺术家”、“年度青年艺术家”、“年度策展人”、“年度艺术出版物”四个奖项的提名奖获得者。5月27日，第十三届AAC艺术中国将于故宫博物院颁出四大奖项的提名奖及最终大奖。

此前，通过对2018年中国当代艺术现象进行分析与总结，本届轮值主席侯瀚如将评选主题定为：“独立与多元”。在这个主题之下，通过对历史与当代、全球和中国、“局外”和“局中”的交汇考察，寻找中国当代艺术的独特性和内在逻辑。

根据《AAC艺术中国评选办法》，第十三届“AAC艺术中国”评委会由七位国内外文化艺术领域的重要艺术家、权威评论家、策展人、专家学者组成评选委员会，负责本年度AAC奖项评选工作。本届“AAC艺术中国”评委会由理事会通过，由当代著名学者、作家、策展人侯瀚如（Hou Hanru）担任第十三届“AAC艺术中国”评选委员会轮值主席。

轮值主席：

侯瀚如（Hou Hanru）

评委包括（按首字母顺序）：

芭芭拉·波洛克（Barbara Pollack）

董冰峰（Dong Bingfeng）

刘小东（Liu Xiaodong）

片冈真实（Mami Kataoka）

菲利普·皮洛特（Philippe Pirotte）

郑胜天（Zheng Shengtian）

以线上投票方式评选出本届AAC艺术中国四项提名奖。四项大奖将由评审委员会在北京终评会进行现场讨论投票，决出最终的大奖获得者。（备注：以下所有提名奖项均按首字母排序）

第十三届AAC艺术中国提名奖名单

第十三届AAC艺术中国年度艺术家提名奖名单：

林天苗

刘野

邱志杰

杨福东

赵赵

第十三届AAC艺术中国年度青年艺术家提名奖名单：

冯冰伊

葛宇路

娜布其

沈莘

徐文恺

张玥

第十三届AAC艺术中国年度策展人提名奖名单：

冯博一与田霏宇、费大为等人

黄笃与晏燕

鲁明军

朱青生

张尕

第十三届AAC艺术中国年度艺术出版物提名奖名单：

《策展詩學 教育、諸眾與民主之後》

《当代已然成史：我（们）与黄专》

《当代艺术与宋庄的三重解读》

《流动的图像:当代中国视觉文化再解读》

《中国当代艺术研究：中国的美术馆世界》

第十三届AAC艺术中国提名奖详情

第十三届AAC艺术中国·年度艺术家提名

年度艺术家奖：所有在世的华人艺术家，对中国当代艺术发展起到引领性启示和卓越的推动作用，在当代艺术实践中有突出成就。

林天苗

1961年出生于山西太原，现居住和工作在北京。她在“开放工作室”的艺术活动中展出了“缠的扩散”、“圣德蕾娜的诱惑”、“裤子”、“树”等作品，奠定了她从事实验性艺术的重要性地位，同时她也是第一批获得国际关注和认可的中国女性艺术家之一。近年来林天苗试图摆脱女性主义话题的困顿，以开放的姿态游走于大型装置、雕塑、摄影、视频及各种其他媒介实践的工作中。林天苗的作品被很多中外美术馆收藏：纽约的布鲁克林美术馆、MoMA、澳大利亚国家美术馆、旧金山MoMA、香港M+、西雅图当代美术馆、新加坡美术馆和蓬皮杜美术馆等等。

“体·统”林天苗个展现场

2018年6月26日上海外滩美术馆迎来艺术家林天苗的上海首场个人专题展览“体·统”。 艺术家视整个展览为一个特定场域的项目，展开四部分概念的探究：“个体意识”、“群体意识”、“公共意识”、“终极意识”，概念与楼层相呼应，依次从美术馆二楼展厅纵向延伸到六楼，为观者带来一场心理和感官上的“意识”之旅。作品涵盖她二十余年创作脉络中极具代表性的装置作品，此外，《白日梦》(1999年)、《失与得》(2014年)、《嗨！！！》、《暖流》、《我的花园》是从未向公众展出过的大型交互装置。

林天苗 《我的花园 My Garden》 铝合金框架结构、玻璃、液体循环系统、地毯 尺寸可变2018年

《我的花园》 是此次展览最大的一件作品，邀请观众参观一个由玻璃器皿打造的“花园”。地面铺有柔软的粉色地毯，不同直径、高低的粉色花盆内直立着类似植物的玻璃管，玻璃管中喷流着各种透明的绿色液体，同时在玻璃管上印有植物的中文俗名和对应的拉丁语。林天苗爱植物，爱花园。借以“有真为假，作假为真”的公共意识概念，艺术家将花园主体 分割为两种色彩：粉色和绿色。地面铺设粉色的地毯，“植物”由不同直径、高低各一的玻璃管饰演。艺术家试图以此向人们揭示了民俗俚语中无力、幽默、庸俗和欲望的语言身份表述，提醒我们保持对周遭社会环境敏感的质疑态度。

刘野

1964年生于北京。1984年毕业于北京工艺美校；1989年就读于中央美院壁画系；1994年毕业于德国柏林艺术学院，并获硕士学位。刘野的绘画，无论其笔下的卡通形象，抑或是美人图，米菲兔子，蒙德里安图式符号，都是刘野对自我及人类最基本情感的反思，以童话般的梦幻色彩与语言表现形式，反映现实世界的问题。在那些看似童趣天真的背后其实隐藏着生命本身的脆弱、流逝与无常，极富哲思意味。刘野也凭借着独特的语言体系和鲜明的个人风格成为当代艺术中独树一帜的中坚力量。其作品广为海内外美术馆、博物馆及私人藏家收藏。

刘野个展“寓言叙事”展览现场

11月 10日，刘野个展“寓言叙事”于上海 Prada荣宅开幕，展览呈现刘野自1992年至今的三十幅精选画作，策展人为乌多·蒂特曼。墙上镶嵌的珐琅砖、地板上颜色丰富的釉面砖、楼梯扶手上雕刻的精致花纹、带有欧洲风格的彩绘玻璃……整座荣宅大体保留原先的设计。刘野的作品，穿插其中，让当代与历史进行相隔时空的对话。“这个展览，如同把我的作品和这个房子一起，讲一个故事。”开幕当天，刘野道出了展览名“寓言叙事”的理由。

刘野 《神女》 布面丙烯 60x45cm 2018年

此次展览，蒂特曼大部分选择的是小尺幅的画，这样作品就可以与环境结合的更加紧密，同时，策展人的策划也考虑到了展场白天与晚上的环境变化，还有作品在环境中的位置。刘野的作品展现出隐秘而感性的想象力，这种想象力以东西方文学、艺术史和大众文化为来源。在他的作品中，标志性的童话风格与幽默感和谐谑色彩并存。

邱志杰

1969 年生于福建省漳州市。现为中央美术学院实验艺术学院院长。邱志杰是职业艺术家、撰稿人和策展人。他的创作活动涉及书法、水墨绘画、摄影、录像、装置、剧场等多种方式。他代表了一种沟通中国文人传统与当代艺术、沟通社会关怀和艺术的个人解放力量的崭新尝试。近期参加的展览包括：2018 “邱注上元灯彩计划”邱志杰个展（北京民生现代美术馆，北京），2018中国新水墨艺术作品展1978-2018（北京民生现代美术馆，北京），2017 2016中国当代艺术年鉴展（北京民生现代美术馆，北京）等。

“邱注上元灯彩计划”邱志杰个展现场

3月16日，北京民生当代艺术家个案研究系列的最新成果，推出艺术家邱志杰的“邱注上元灯彩计划”， 也是邱志杰“上元灯彩”系列展览的终结篇。“邱注上元灯彩计划”是一个大型综合艺术计划。它由《上元灯彩图》出发，囊括了一系列的写作、绘画、装置和剧场表演等艺术形式。此次展览共展出170余件(组)作品。包括《邱注上元灯彩》、《金陵剧场绣像谱》、《金陵剧场》装置系列与现场演出、《古玩市场》现场演出、《不夜天》、《历史剧考释》、《历史剧推演》等。在此次展览中，散布在空间里的百余个装置，每一个都将分别对应于一种在中国历史上反复出现过的形象或现象，例如权臣、幼帝、悍将、告密者、革命者、税吏、流寇等。它们有时候是人物，有时候是某种事物，例如漕运、狼烟、谶言、丹药等等。这些小型装置都可由表演者操纵，它们之间的组合、自动和互动的过程，成为一个“金陵剧场”。

邱志杰 《邱注上元灯彩图》 局部 2018年

由明代画师所绘，后由书画鉴定大家徐邦达先生题《上元灯彩图》，在艺术家邱志杰的临摹过程中衍生出宏大的“邱注上元灯彩计划”，连带出历史与当代的诸多思考和话题。虽然《上元灯彩图》描述的是南京夫子庙元宵节的情态。但在艺术家邱志杰的“邱注上元灯彩计划”转化之后便不再局限于某一个固定的时空概念中。邱志杰从2009年开始专注研究《上元灯彩图》，其成果逐步形成了“邱注上元灯彩计划”。一系列由《上元灯彩图》生发出来的创作中，邱志杰始终用当代的眼光重新解读这样一幅明代城市的社会风俗画，试图从中提炼出中国文化的隐秘基因，并寻找合适它们的当代表征方式，演绎出一个庞大的研究/创作/游戏的构架。它是对于中国历史的述说方式的演义和基因图谱绘制。

杨福东

1971年生于中国北京，是年轻的影象艺术家中最受瞩目的一位。他的作品反映了新一代的年轻知识分子在富裕的物质生活与日益匮乏的精神世界之间的妥协和困惑。例如影片“竹林七贤”和“陌生天堂”构思巧妙，画面精美但同时由于叙事性的刻意削弱，影片非常深奥晦涩。它更像是艺术家借助电影这种艺术形式进行的一次次情绪、场景的自我表达。2004年杨福东入选“Hugo Boss当代艺术奖”，曾经参加过卡塞尔文献展和威尼斯双年展的履历也帮助他进入到国际性收藏家们的视野。

“明日早朝”杨福东个展现场

3月23日，艺术家杨福东大型影像个展《明日早朝》在龙美术馆(西岸馆)揭幕，这也是其首个美术馆新电影计划。杨福东于2009年首次萌生了在美术馆拍摄艺术电影的想法，经过近十年的酝酿，这一计划终于在龙美术馆盛大开启，未来或将在更多艺术场馆以不同的主题呈现。杨福东及其团队将在龙美术馆(西岸馆)进行为期一个月的摄制，整个拍摄过程将突破性地延伸为一场大型的现场表演艺术展。艺术家将邀请观众一同见证影像创作的重要过程。此次展览不仅颠覆了传统意义上艺术作品的创作方式与观看方式，将作品的边界延伸到观众的切身体验，并且引发观者思考历史、关注当下以及展望未来。

杨福东 《明日早朝》美术场景效果图之一 2018年

此次展览中，艺术家根据龙美术馆独特的结构特点，史无前例地在美术馆一层、阶梯式展厅创造性地打造出“宋代朝会”以及“生命之塔”两个颇为壮观的拍摄场景，它们同时构成了此次美术馆新电影计划的最核心组成部分。龙美术馆的一楼大厅变身成为主拍摄展厅，明日早朝的场景，营造的是重殿之城，皇宫的气氛。有如古希腊神庙般的宫殿柱子、火烧云背景既象征着热火朝天的议事气氛又仿若风云变幻的皇城。拍摄展厅的后方，无影墙的摄影棚设计，仿佛让人感觉皇宫内外就是一出戏，而尼采有意思的七句话，则串联起语言的黑色通道。展厅现场的还设有一个直播间。

赵赵

1982年出生于新疆，现生活工作于北京。作为80后当代中国关键艺术家之一，赵赵早期作为艾未未的亲密助手。他热衷于利用各种艺术媒介对现实及其意识形态传统惯例提出挑战，强调个体的自由意志，表达不守成规与无政府主义的态度。近年，赵赵具挑衅性及丰富的艺术实践获得国际间的关注及重视。近期参与展览有： “熵”中国艺术家群展，（2018林冠艺术基金会，北京），一秒·一年：赵赵个展（2018 H Queen‘s，香港）， “弥留”赵赵个展（2018 当代唐人艺术中心，北京），首届ART CHENGDU 国际当代艺术博览会（2018 成都远洋太古里地铁广场，成都），“自画像”赵赵个展（2017 大未来林舍画廊，台北）， “社会剧场：参与与共享”第五届重庆青年美术双年展（2017 四川美术学院美术馆，重庆）等。

“弥留”赵赵个展现场

7月14日，当代唐人艺术中心北京第一空间推出艺术家赵赵的全新个展“弥留”。三年来，赵赵每一年都借着展览抛出一个话题，在连续的几个展览中，我们看到艺术家所探讨的主题从沙漠到骆驼再到公路的演变过程，彼此之间看似没有关联，但某种程度上，它们代表了人类文明发展的进程。赵赵今年的个展“弥留”是从一只猫开始的。在这个具有超越性的瞬间里，弥留像是对永恒的体验，逝去的想象覆盖经验的全部领域。

赵赵 《弥留》 铜、不锈钢、铁 尺寸可变 2018年

2015年的某个午后，赵赵在工作室外面的沥青公路中间看到了一只猫的尸体。被多次碾压后仅存下一些印痕和毛屑，基于其多年创作的高度敏感，他用粉笔描摹下了这个形状，后用金属重新锻造。几千块材质、大小各异的碎片，组成了20多只猫的图形，镶嵌在铺满展厅地面的沥青之中。碎片由四种物质组成，黄铜的闪烁，不锈钢的反射，黑铁的凝重，蓝铁的迷幻。均有具体的指向与多重的隐喻。在这件作品里，公路是人类文明、工业发展的象征，这里包含着规则，制度，权利。赵赵将作品及展览命名为“弥留”，这是一个生命最后“回光返照”的状态，那是一种肉体已经死亡，但精神却还是清醒的独特体验。这种体验，对赵赵而言，如同他所处的现实，也如同他看到的生活中大部分人的现状。借用一只猫的尸体，赵赵在展厅里呈现了生命的挽歌，亦转化成为一个具有抽象美学意味的现实社会挽歌。

第十三届AAC艺术中国·年度青年艺术家提名

年度青年艺术家奖：35 岁以下青年华人艺术家，对未来中国当代艺术的发展有引导作用，综合评价其作品在本年度艺术探索及实验性方面有前瞻性突破。

冯冰伊

1991年出生于宁波，2009年进入中国美术学院跨媒体艺术学院，2013年毕业于中国美术学院跨媒体艺术学院并取得优秀毕业作品金奖荣誉，2015年毕业于英国伦敦艺术大学切尔西艺术学院并取得荣誉硕士（MA with Distinction）学位。冯冰伊擅长以介于录像艺术与电影之间的影像语言，作为表达媒介,用诗性的语言构建自我意识的叙事空间。关注从文本到图像的研究，通常以一段文本作为引子，在对其注解中找到逻辑的断裂口，进行改写和重组，将其内容置于一个空间中抽丝剥茧，混合独特的世界观进行再编织。注重空间、文本与叙事之间产生的不同可能性在对视觉语言的影响上。创作形式主要包括影像装置、摄影、动画等。曾获2012—2013学年林风眠奖学金，中国美术学院本科优秀毕业作品金奖。

“愚者黄金——冯冰伊个展”现场

2018年3月10日下午， “愚者黄金—冯冰伊个展” 在千高原艺术空间一楼展厅开幕。冯冰伊的作品以人文主义的关怀为基础，但又充满了出人意料的“逻辑拼贴”和“意象跳跃”，而这些只是为了让那些“难以言说之物”显得更加美好而真诚。“愚者黄金”也是继冯冰伊2016年底在千高原“冷事实”之后的又一次个展，展出了艺术家的《归程》、《废墟》 、《天涯芳草》等影像，以及装置作品《微小的事》、《愚者黄金》。这次所有的作品都是以单独的形式呈现，但它们相互之间又有着相互的联系。“愚者黄金”学名“黄铁矿”，是一种重量和外观都与黄金极其接近的铜矿，许多淘金者都被它所欺骗。当人们看到自己所追求的东西就在眼前，是否也心甘情愿被它欺骗呢?哪怕只是为了片刻的视觉满足感?也许在冯冰伊的个展里能找到答案。

冯冰伊 《微小的事》（灯箱装置） 综合材料 尺寸可变 2018年

灯箱装置《微小的事》中，冯冰伊把在卫星地图上搜索到的无人区的画面，诸如海洋、森林、荒漠作为元素，截图下来打印在广告牌灯箱之上，并依次排列在展厅之中，就像是走在一条路上。灯箱上泼洒的沥青犹如供行人走路般，预示着人们走过这些无人区并对其进行开垦或者破坏。

葛宇路

1990年出生于湖北武汉，2013年本科毕业于湖北美术学院影像媒体艺术系。2014年考入中央美术学院实验艺术学院。现工作、生活于北京，河北。近期参加展览：2018 “劳家辉的自助庙宇”群展（扉美术馆，广州），2018 Light, Heat, Power! （留下空间，上海），2018 当下急行ONESTAR，ONETRAVEL！——青年艺术家群展 （之空间，重庆），2017 破折号——中国青年艺术展（四川美术学院美术馆，重庆），2017 朋友圈+：文化馆线上艺术计划展（OCAT上海馆，上海）等。

“劳家辉的自助庙宇”群展现场

2018年8月18日，“劳家辉：自助庙宇”群展在广州扉美术馆开幕，由宋拓担任策展人，呈现的是三位年轻艺术家不同类型的作品，葛宇路参展。葛宇路的作品以个体的经验和感受切入社会现实中，以反日常、反常规的方式进入到日常生活中，可以给我们看待平时习以为常的事物提供一个新的视角。广州美术学院副馆长胡斌认为，葛宇路出现在展厅，像一个大人物出场被照顾得无微不至，这种明星感也带有一些调侃和反讽的意味，这也基于公众希望在冗长的生活中通过造星制造新奇感的心理渴望。

葛宇路 《cool》片段 2018年

葛宇路的到来就是一件作品，这件作品名为《cool》，“冷”中带“酷”。其核心同样很简单，像一个正常参加开幕式的嘉宾一样，乘飞机来，出机场，在广州城中闲逛，到了开幕时间去到展览地点，出席开幕式，发表讲话，参加晚宴。与平常唯一的区别是，在这整个过程中，他要做到不出一滴汗。在此之前，葛宇路只是与广州擦肩而过，没有真正踏足过这片土地，他对广州这个南方城市的想象都与高温、酷热、密集的工厂、辛勤的流水线工人有关，这一次他想以一种完全区别于印象的方式进入这座城市，以期获得不一样的感受。从走出飞机开始，葛宇路的所有行动都在直播平台上同步显示，观众可以在展厅的三块大屏幕上看到，也可以在手机上进入直播间观看。“屏幕上的状态和他们当下的状态，会有一些错位感。随着画面的进展，我的物理空间离他们越来越近，当车开到展厅的屏幕旁，屏幕里的画面与屏幕外的真实世界在展厅会合。”

娜布其

1984年出生于内蒙古，2013年毕业于中央美术学院，工作生活于北京。曾入围2016年华宇青年奖。近期参加展览：2018 “真实发生在事物具有合理性的瞬间吗？”（香格纳画廊M50，上海），2018 “双向入口”娜布其个展（C龙口空间，北京），2017 “迂回进入”魔金石空间群展（魔金石空间，北京），2017 “寒夜”（UCCA艺术中心，北京），2017 “球场”（中央美术学院美术馆，北京）等。

“真实发生在事物具有合理性的瞬间吗？”娜布其个展现场

10月27日，艺术家娜布其个展“真实发生在事物具有合理性的瞬间吗？”在香格纳画廊M50空间开幕，这是娜布其在香格纳的首场个展。展览展出艺术家今年最新的同名装置。此次展览中，娜布其采用仿真材料，构建了一个看似贴近自然、充满童趣的室外现场。她刻意保留了所有材料的原生性，不对其面貌或属性进行干扰或改变，这意味着没有一件所谓经过精心打磨的“作品”出现在展场中。这些材料通过组合，放置于空间中，与其产生关联，营造出美好情境。

娜布其 《真实发生在事物具有合理性的瞬间吗？》 混合材料装置 2018年

展览现场，艺术家延续了其2017年尤伦斯当代艺术中心（UCCA）展览“寒夜”中将空间视作整体装置的思路，使展示的空间延伸至作品内部。取代了依循传统的雕塑语言，观者需要进入娜布其的作品之中，通过处于被包围的状态来替代观看或注视作品实体的行为。

沈莘

1990 年出生于成都，现工作生活于伦敦。沈莘的创作以影像作为主要呈现方式。她的实践关乎艺术家的社会性地位，近来着重探索对科技、评判、权力与道德的重塑与运用。自2016年起，沈莘在国内外举办了几场个人项目，包括伦敦Chisenhale画廊的“形态脱逃：序”（2016）、武汉剩余空间“在家”(2016)、伦敦荔枝一号“据点”（2017）、伦敦蛇形画廊“半说半唱”（2017）、曼彻斯特中国当代艺术中心（CFCCA）的“切片装置”以及上海chi K11美术馆的“变量构局”（2018）等。此外，她在尤伦斯当代艺术中心、ocat上海馆等参与群展。

变量构局“居住的方法”单元现场

8月10日下午，上海chi K11美术馆带来艺术群展“变量构局”。展览由四位艺术家的独立项目组成，沈莘(伦敦/阿姆斯特丹)带来“居住的方法”单元。此次展览中，沈莘以《雪国》、《夜莺的挑衅》、《温暖期》三组录像及录像装置，提出虚构栖居空间的尝试。沈莘以自己的视角探索城市肌理、工业制造、 科技运用、经济和种族等议题，这既可视为青年艺术家对视觉世界多元化的呈现，也期观众带来不同的共鸣和反馈。

沈莘 《温暖期》（截帧） 2018年

在《温暖期》中，艺术家营造出一个如幽灵般的视角，记录全球暖化对发展中国家和发达国家影响的不平等，以及不同种族在旅游文化经济中的体验差异。上述三件作品渗透着对虚构性质的疑问，呈现了叙述的多重变体的形式。在观看方式上，展览成了一个斜坡式的“观影区”，部分作品采用耳机的方式，以免对其他作品进行干扰。

徐文恺（aaajiao）

徐文恺是中国最重要的数字艺术家之一，1984生于西安, 现在长居上海,2007年毕业于武汉大学计算机系。aaajiao的创作结合了浓重的反乌托邦意识，以及对文人精神的反思。他的很多作品都致力于探索新的科技和媒体影响之下的文化与社会现象。作品涵盖了社交媒体写作，数据处理，以及网络和移动媒介下的新美学景观，将今天中国特殊的社交媒体文化和科技带入了国际艺术的讨论当中。 他2003年创建了声音艺术网站cornersound.com，2006年,创办基于中文新媒体信息平台的We Need Money Not Art。徐文恺致力于推广一款开源的视觉程序软件“processing”,一个非盈利的倡导创造的活动“Dorkbot”以及Eventstructure,一家基于上海的跨艺术、设计、学术以及新媒体技术领域的非营利型独立研究开发机构，现经营联合办公平台：新单位。

“暴食”aaajiao个人项目现场

2018年1月6日，千高原艺术空间的1000+实验项目空间启动了新年的第一个计划，带来艺术家aaajiao的个人项目“暴食/Gluttony”。aaajiao的创作结合了浓重的反乌托邦意识，以及对文人精神的反思。这次展览作为千高原艺术空间 1000+ 的项目，可以看做是去年上海个展“用户、爱、高频交易”中作品“膜化”系列的延续。在当下人与科技所形成的新的生活关系中，aaajiao尝试用材料来记录情绪。这或许是一个并不新鲜的话题，但也只有在不断地对老话题进行回应，才能在当下往前走出那么一小步。在这个个体随意发声的时代，共情是被需要的。aaajiao试图找到一种时代下人的共同情绪。

徐文恺 《暴食系列》装置 PVC 板、车膜 2018年

展厅现场，观众可以看到aaajiao将PVC板和车膜这两种人造材料进行再变形和再处理，放置于地面，随着空间外光的变化以及观者不同的观看方式，获取一点不一样的感受。此项目从属于 “Membranization / 膜化系列”——从使用机器，到与机器共谋，甚至被机器所挟持，人类的情绪在面对机器时发生着微妙的变化，记录这些变化已经无法使用那些腐烂发酵的社交媒体，一些材料的组合却能够清晰刻画些许情绪的轮廓，材料本身的轻质属性同样暗示着情绪的隐蔽性。

张玥

1985 年出生于山东，现生活工作于北京。 2015 年获得“墙报艺术家”一等奖。作品被尧山艺术基金会(以色列)，白兔美术馆(澳大利亚)，乌利希克(德国)等收藏。近期参加展览：2018 “山鹰之歌”张玥个展（杨画廊，北京），2018 “疆域：地缘的拓扑”群展（OCAT研究中心，北京），2017 “出类-穿行焦虑的年代”群展（白盒子艺术馆，北京）等。

“山鹰之歌”张玥个展现场

2018年3月23日，杨画廊推出张玥第二个个展 “山鹰之歌”，由崔灿灿担任展览的策展人，展出了艺术家最新的创作。响彻在南美大地的《山鹰之歌》和《切格瓦拉之歌》，从热带丛林沿亚马逊河，带着古印加文明的气息漂洋过海。雄鹰飞越大西洋，传遍亚欧大陆。它们象征着南美人民对殖民压迫的反抗，独立自由的追求。歌声传递的精神力量让人鼓舞，而对革命文化和左翼行动之路的追思也引人怀念。本次展览展出艺术家2016-2017年间做的项目，包括《大米表格 》、《Welcome》、《最长的一天》等作品，主要是以文献与档案形式完成。其中包括两部分线索：一是围绕“枪”展开，一是与前苏联的社会主义国家阵营相关。展览海报借用冷战时期的FBI档案模板，以红色为底，中间偏上方是展览名字“ZHANG YUE”。原本这种档案的阅读权限是不会被下放到普通大众手中，观者走入展览，翻开的如同是一个不在官方正史中记录的TOP SECRET级别的内容。

《最长的一天》（局部） 12x17cmx21 2017年 钢笔纸本

“刚刚上午十点多，由于战争的原因，街上空荡荡的。窗外的炮声显得格外清楚，有时就在耳边，有时只能判断出大致方位。满街贴着果敢军的告示，上面写着：同盟军是执行正义的民族武装，是保卫果敢人民生命财产的人民武装。”这是张玥2017年第三次来到缅北，他在房间中记下一天炮火的数量和远近，名为《最长的一天》。

第十三届AAC艺术中国·年度策展人提名

年度策展人奖：

以表彰对中国当代艺术展览作出贡献的策展人(含策展团队)，综合考虑策展人在展览运营方面的贡献和成就，及其所发挥的学术引领作用。

冯博一

1960年生，独立策展人、美术评论家，并兼任何香凝美术馆、金鸡湖美术馆艺术总监。1984年毕业于首都师范大学历史系。1988-2008年在中国美术家协会任编辑工作。现生活工作于北京、深圳、苏州。致力于中国当代实验艺术的策划、评论、编辑等工作。在国内外策划多次重要展览，是为中国目前最活跃的独立策展人和评论家之一。

田霏宇Philip Tinari

中国当代艺术领域具有影响力的评论家、策展人与艺术史学家。本科毕业于杜克大学文学和历史学系，硕士毕业于哈佛大学东亚文化研究专业。2011年起，他开始担任北京尤伦斯当代艺术中心（UCCA）馆长，6年里策划了超过60场展览以及多场公共活动及发展性项目，并在2016年被美中关系全国委员会选为“公共知识分子项目”中的一员。

“思想与方法”徐冰个展现场

由尤伦斯当代艺术中心馆长田霏宇和客座策展人冯博一联合策划的大型回顾性个展“徐冰：思想与方法”7月21日在尤伦斯当代艺术中心（UCCA）开展，此次展览为艺术家近年来在北京地区最全面的个展，力图全面梳理艺术家自上世纪七十年代开始，至今四十余年的创作历程，新回顾展命名为“思想与方法”，是徐冰艺术恰如其分的总结：对他而言，艺术不是思想到思想再回馈思想，而是从手艺到思想，再指导手艺的记录。对时弊的感知、思维的推进，有时是无意间看到的某个画面/事物展开的，有时通过对某栋新楼的造型、材料、颜色或与周边建筑关系的判断展开的，有时是通过在工作室反复摆弄手里的“活儿”展开的。

“思想与方法”徐冰个展现场

展览展出了《天书》、《将进酒》、《凤凰》、《蜻蜓之眼》、《英文方块字书法》、《鬼打墙》、《荣华富贵》等作品，囊括版画、素描、装置、文献记录、手稿、影像、纪录片等形式，共六十余组作品。作为一位多维度的艺术家，每一件作品都给人不同的感受。其作品朴素、自然、带入感的特点，不同年龄阶段的人，不同的阶层都能从中得到不同的启发。

费大为

1954年生于上海，1981年考入中央美术学院美术史系。现任联合国教科文艺基金会评审，独立策划人和批评家。自八十年代后半期以来所策划的一些列展览活动，首次将中国当代艺术推向国际舞台。

埃尔维·尚戴斯 Hervé Chandès

卡地亚当代艺术基金会馆长

格拉齐娅·夸罗尼 Grazia Quaroni

卡地亚当代艺术基金会收藏部主任

“卡地亚当代艺术基金会：陌生风景”展览现场

“卡地亚当代艺术基金会：陌生风景” 4月25日至7月29日亮相上海当代艺术博物馆。作为法国卡地亚当代艺术基金会在中国地区的首次大型展览，展览通过展出近100件/组卡地亚当代艺术基金会收藏的标志性艺术作品，以及众多中国艺术家的作品，呈现卡地亚当代艺术基金会具有独创性的精神内涵和价值观，以及它在成立三十多年对当代艺术及艺术家们所饯行的承诺。

“卡地亚当代艺术基金会：陌生风景”展览现场

“陌生风景”由上海当代艺术博物馆馆长龚彦、卡地亚基金会馆长埃尔维·尚戴斯与策展人费大为的相遇应运而生。展览中，不仅带来森山大道、雷蒙·德巴东、大卫·林奇的照片和影像，也展示了北野武的绘画和雕塑，此外，5位来自中国的艺术家参展，分别是蔡国强、黄永砯、高山、胡柳和李永斌。

黄笃

批评家、策展人，今日美术馆学术总监

晏燕

今日美术馆展览及学术副馆长

“根茎”中国当代艺术自主性研究展现场

2018年1月15日，由黄笃与晏燕策划的《根茎—中国当代艺术自主性研究展》在今日美术馆亮相，此次展览是由北京文化艺术基金支持的2017年度资助项目，试图在全球化背景下深思中国当代艺术的独特路径。展览主题“根茎”（Rhizome）一词源自法国哲学家德勒兹的理念。“根茎”被比喻为一种复杂的文化隐喻和游牧主义的思维模式，它代表了一种开放性的、非中心的、无规则的、多元化的、无限生长的形态和活力。“根茎”恰好描述了中国当代艺术的特征——在融合中不断生长，在生长中产生差异。

“根茎”中国当代艺术自主性研究展现场

本展览以艺术家个案研究切入，通过甄选并确定了八位参展艺术家：隋建国、王鲁炎、胡介鸣、姜杰、倪海峰、徐震与没顶公司、蒋志和高伟刚。他们代表了不同时期的艺术，其作品涵盖的媒介包括：雕塑，摄影，录像，装置和绘画。它梳理和呈现了八位艺术家节点性的作品，以及艺术作品背后的观念变化轨迹。

鲁明军

1978年生，2011年获四川大学历史学博士。四川大学艺术学院美术学系副教授，主要从事现当代艺术史、艺术批评与理论的研究、教学与实践。他曾策划多个展览，论文见于《文艺研究》、《美术研究》、《二十一世紀》等刊物。近著有《论绘画的绘画：一种艺术机制与普遍性认知》(2015)、《自觉的歧途：1999年的三个当代艺术展览/计划及其之后》(2017)、《目光的诗学：视觉文化、艺术史与当代》(2017)等。2015 年起兼任剩余空间艺术总监。2015 年获得何鸿毅家族基金中华研究奖助金。2016 年获得YiShu中国当代艺术写作奖。2017 年获得美国亚洲文化协会奖助金。

“在集结”群展现场

2018年5月27日由知名策展人鲁明军策划的展览“在集结/Assembling”在沈阳chi K11艺术空间开幕。展览旨在回溯东北地区的当代艺术实验精神，并首次全面探讨东北文化与艺术在当代艺术系统中的价值和地位。在当代艺术发展的三十多年时间里，东北已经形成了高辨识度，亦不乏争议的绘画风格和地方调性。经历过80年代的临时组织和前卫小组的艺术实验，90年代的纪录片运动和地下音乐表演，以及随后逐渐“被流放”或“自我流放”的东北艺术家在异地对于“东北”的想象和莫名的风格抵御，至今天那些零零星星依然执着于在地社会参与和艺术介入的“弱行动”，皆表明东北在当代艺术中或者说当代艺术在东北蕴含着极为丰富的层次和质地。鲁明军设法将所有关于“东北的当代艺术”集结在一起，构成并释放出今天东北当代艺术的新动能。

“在集结”群展现场

展览展出了王兴伟《姐夫再忙，也没有忘记你......》、张慧 《我过去的情人变老了》、刘小东 《郭强在自己开的KTV里》、孙原 彭禹 《当看不再是一种选择》、舒群 《绝对原则消解系列3号》、艺术教育小组 《个人史》等作品，汇聚了北方道路艺术联盟、北方艺术群体、毒山凡太朗、耿旖旎、海波、何翔宇等31位国内外知名艺术家与6个发迹于东北地区的当代艺术小组。

鲁明军于2018年策划的其他展览：“疆域：地缘的拓扑”群展，“异形”徐震个展，“倒流的河水”王强个展，“静物与风景”杨振中个展，“世纪”傅饶个展。

朱青生

北京大学历史学系教授，国际艺术史学会主席，德国考古学院通讯院士。1978-1982年本科就读于南京师范学院，1982-1985年研究生就读于中央美术学院，1990-1996年博士研究生就读于海德堡大学。1985-1987年任中央美术学院助教、讲师，1987年至今任北京大学讲师、副教授、教授。主要研究领域为艺术史。主编《中国当代艺术年鉴》（广西师大出版社，2006起每年一卷）、《汉画总录》（广西师大出版社，2010起已出版30卷），著有《没有人是艺术家也没有人不是艺术家》（商务印书馆，2000），译有《詹森艺术史》（世界文化出版社，2014）。任北京大学人文社会科学研究院学术委员会委员，巴黎索邦大学、中国美院、西安美院、天津美院、四川美院、鲁迅美院、广州美院、湖北美院等客座教授。

“中国当代艺术年鉴展2017”展览现场

2018年6月24日，“中国当代艺术年鉴展2017”在北京民生现代美术馆开幕，北京大学历史系教授朱青生担任策展人。“中国当代艺术年鉴展”，通过“一年之鉴”这一时段性学术方法，系统性地呈现中国当代艺术在2017年的整体状况及趋势。通过展示“变量”，一年中当代艺术的变化得到整体显示，各个重要事实的意义和之间的关联得以揭示，当下的社会思潮、文化现象和当代人的创造性反应也因此被反映出来。而在年鉴展中，各种问题将被尽可能地展现和提示。

“中国当代艺术年鉴展2017”展览现场

本次年鉴展现场展出141位中国当代艺术家在2017年最具代表性的作品，包括胡尹萍《身份》、童昆鸟 《艺术垃圾桶》、栾佳齐《528HZ》、廖斐《单向雕塑1-4》、焦应奇《认知和表达的基本结构》、冷广敏 《温床》、李怒《广场》、何翔宇《5月14日，7月14日，8月27日》、毛晨雨《稻电影》等。这些作品和文献记录是《年鉴》编辑部在2017年全年近4000个艺术展览及活动、12780位艺术家材料、4652篇文献的基础上进行甄选，根据编辑委员会的意见修订补充后的结果。

张尕

媒体艺术家，策展人，纽约帕森斯艺术学院教授。曾参加许多重要国际展览如 Ars Electronica Center(奥地利)、Adelaide Art Festival(澳大利亚)等。曾策划了三届由中国美术馆主办的国际新媒体艺术三年展，即2008年的“合成时代”，2011年“延展生命”以及2014年“齐物等观”。在2004年至2006年间，他组织并策划了北京国际新媒体艺术展及论坛，将国际新媒体艺术的前沿实践介绍到中国大陆。自2015年起他将作为学术指导参与上海新时线媒体艺术中心的展览，研究等各方面的规划。

“开”展现场

由知美术馆与新时线媒体艺术中心（CAC）联合呈现，由媒体艺术策展人张尕策划的“开”展览于2018年4月25日开幕，持续至2018年8月12日。展览名字为“开”自然呼应美术馆正式开启的重要时刻，某种新开端正积聚着力量;同时“开”作为一种运动，与九位艺术家的参展作品也有某种联系：参展的作品也都以某种形式保持“运动”、“变化”之感，无论是机械运动、电子运动、光影运动，甚至是参与者的被动运动，都与美术馆的“生生不息”有着呼应之美。本次展览与首届Art Chengdu艺术博览会及其他机构一起有所动作，也是想形成一股合力，加速打造成都生态系统的形成。

“开”展现场

展览展示了奇科·马可姆特与“无定形机器人创作”团体作品《灵动喷泉》、张培力作品《标准的，健康向上的，有特色的圆及其音响》、马尼克斯·德·尼斯作品《直线位移》 、迈克尔·华金·格雷作品《两个西蒙奈塔之间》 、劳伦斯·马斯塔夫作品《指南针 02005》 、 王功新作品《不可坐的》、 卡斯滕·尼古拉作品《反射失真》、森万里子作品《平底石》 、王郁洋作品《无题——柏拉图的立方体》 等。这些作品都有一种永恒的反复，一种生生不息的转变，一种拥抱未知、无法预料之事物，拥抱一切潜在可能的精神。

第十三届AAC艺术中国·年度艺术出版物提名

年度艺术出版物奖：全球范围内的中国当代艺术出版物，语种不限，包括数字出版物。侧重评价其在学术研究和理论梳理上的价值，以表彰对中国当代艺术发展有推动作用的本年度艺术出版物。

《策展詩學 教育、諸眾與民主之後》

作者：林宏璋

出版社：典藏藝術家庭

出版时间：2018-04-20

这不是一本通用的协助艺术策展的学习者把展览办周到的策展操作手册，而是一本想藉由本书在经由全球化新自由自经济体系长时间无孔不入地塑造、归化、均质化的群众之中，启动更为异质、更具主动性的艺术诸众。或是要让原先看不到的、没有声音的被看到、被听到。──前国北教大文化创意产业经营学系教授黄海鸣 当代艺术策展实践面对的是开放的公众关系，以及经由「教育转向」所发展的自我技术所蕴含的民主价值；从策展的字源意义作为一种「照料」他者与自我的技术，是将艺术展演本身视为启发智性的公共性行动。这个思考取径在于将策展从起源学的意义，进行对其历史、专业、责任与机制关系的变革等综合考究。 本书书名挪引亚里士多德的《诗学》（Poetics），乃是强调策展之实践创造性，如同诗学作为一种“从无到有”的“生成”。《诗学》系指一个“如何”创作戏剧的创造方法与认知，因此，“即兴／创新”是重要的创造技巧。在此意义下，本书所集结的文章在于强调策展本身的创作论，同时也是进行对「策展技术」的思考，包含策展中发生的写作、形式、空间拓朴、主体性等思辨面向。本书书写原则上建立在作者对于大量国际双年展的观察，其中也包括作者所协同策展的台北双年展。因此书中除了有许多相关理论收集整理之外，还包括很多的策展案例摘要，无疑是一本台湾近年来讨论策展的重要著作。

《当代已然成史：我（们）与黄专》

作者：巫鸿

出版社：岭南美术出版社

出版时间：2018-09-01

黄专的工作已成为中国当代艺术发展过程不可分割的部分。他曾问道：“当代何以成史？” 又曾著文论证“史料”在理解历史中的不可或缺作用。在这个意义上，这本访谈录希望提供的并非是私人的友情缅怀，而是了解和研究中国当代艺术的一种特殊史料和素材。近80名被访者的不同身份、经历、年龄和工作性质，使他们的口述涉及中国当代艺术的多个维度。这些人既包括与黄专多年交往和合作的学者、艺术家、策展人、建筑师和设计师，与他合作建立当代美术机构和策划大型展览的企业家和馆长，也包括他的老朋友和老同学。 访谈录分为上下两卷本，为了突出本书的史料价值并便于使用者查阅，访谈录根据被访者的身份将访谈内容进行了初步分类。上卷的访谈对象包括艺术史家、评论家、策展人、机构负责人、设计师等；下卷全部为艺术家的口述记录。每卷中根据访谈所涉及的事件和历史环境，以时间先后为顺序进行排列。

《当代艺术与宋庄的三重解读》

作者：秦竩

出版社：中国科技出版传媒

出版时间：2018-10-01

中国当代艺术与改革开放同步经历了40年的发展，因其历程独具中国特色而又带着鲜明的时代性而应被书写。 本书立足于全球最大的艺术聚集区一宋庄，也是中国当代艺术发展可以对照的实体，从田野案例出发，以民营美术馆、当代艺术从业群体为主要研究对象，在对皮埃尔．布尔迪厄的场域理论、尤尔根.哈贝马斯的交往行动理论和米歇尔．福柯的知识权力理论三个理论的综合运用下，解析中国当代艺术的发展过程。

《流动的图像:当代中国视觉文化再解读》

作者：唐小兵（美）

出版社：上海：复旦大学出版社

出版时间：2018-08-01

当代中国纷繁的艺术创新和视觉环境，蕴涵着怎样的历史经验和逻辑？“视觉文化”这个概念，能让我们看到什么？《流动的图像：当代中国视觉文化再解读》以富于同情的眼光，全球化的视野，追溯多种视觉艺术形式的创作实践和历史语境，呈现出当代中国视觉文化的丰富多彩与鲜活可观。书中所展开的“再解读”，不仅是文化研究的方法，也可以是当代中国读者在自身文化经验中收获认同与震撼的“再发现”。

《中国当代艺术研究：中国的美术馆世界》

作者：姜节泓

出版社：上海人美出版社

出版时间：2018-01-01

《中国当代艺术研究 ：中国的美术馆世界》讨论了新时期中国的美术馆现状和“美术馆热”以及在此之下产生的中国当代艺术运作机制的新面貌。《中国当代艺术研究》探索中国的美术馆在优选化的艺术世界语境中是如何建立、改造和发展的。所有撰文者都有在中国各种新博物馆工作的经验。从这些经历中收获的见解指引我们从稍许不同的视角思考问题，即乐观的同时也抱有疑问。

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