这电视制作行业大会在深圳开了场座谈会，长剧短剧的编剧们吵吵闹闹地谈论长剧的生存问题，各种观点互相碰撞，有人坚持传统，有人拥抱变化，还讨论了AI对编剧工作的影响，整个气氛既紧张又活跃。
王小枪那番话听起来挺有道理的，长剧就像开了很久的烤鸭店，尽管现在短剧像汉堡店一样风靡起来，但关键问题不是形式，而是内容质量，烤鸭做得不够好才是真正的问题所在。我总觉得这个比喻特别形象，让人一下子就能理解长短剧之间的关系，不是谁取代谁的问题，而是各自做好自己的事情。王小枪可能也没想到，他随口一说的烤鸭店比喻，成了这场讨论里最生动的部分。想象一下，如果真的有一家从清朝就开始做烤鸭的老店，突然因为街对面开了汉堡店就慌了神，那不是挺可笑的吗？换个角度想，观众不会因为有短剧就永远不看长剧了，就像人们不会因为有了汉堡就不吃烤鸭了，关键是你的烤鸭够不够好吃，那个独特的体验是不是短剧无法替代的。
看到袁子弹说到《山花烂漫时》只有23集这事，我忽然想到，其实好多经典剧集并不是很长，重点真的在于内容的魅力而不是长度，这话太有道理了。现在好像大家都觉得短一定比长好，快一定比慢好，但艺术创作哪有这么简单的公式呢？每个故事都有最适合它的长度，有些故事就是需要慢慢展开，需要给人留下思考和共鸣的空间。袁子弹提到《金婚》一集讲一年同样感人，这个例子很好地说明了长剧的独特价值，那种时间推移带来的情感积累，短剧很难实现。
徐萌的观点我也挺认同的，她提到其实长剧变短是可行的，40集的都市剧中间必定有转折，20集其实是个很好的长度。这让我想起来很多美剧一季就8-10集，照样讲好故事。可能中国的电视剧产业太习惯拉长集数了，有时候明明可以更精炼的故事被硬生生拉长，结果导致质量下降，观众耐心流失。其实这也不能全怪创作者，可能和商业模式、播出平台的要求有关系。如果能像徐萌说的那样，根据内容需要来决定集数，而不是反过来，可能会更好吧。
我觉得秦雯的观点也有道理，电视剧最早也是短剧形式，然后才慢慢发展到40集长剧，现在又有向短回归的趋势。这种变化可能是循环的，不是单向的。她说观众不是嫌剧太长，而是嫌内容不好看，这话一针见血啊。我们总是纠结于形式问题，却忽略了最本质的内容问题。想想看，如果一部剧真的好看，你会在乎它有多少集吗？你只会希望它永远不要结束。所以问题的核心从来都不是长与短，而是好与不好。
袁子弹那时代淘汰，但我也可以是太有魄力了，作为创作者能有这样的坚持很不容易。文章中提到她用《哪吒之魔童闹海》论证长期主义的胜利，这个例子特别恰当。想想看，这部电影制作了多少年，遇到多少困难，但最终获得了巨大成功。创作者坚持自己的理念和价值观，即使面对主流的压力也不轻易妥协，这种精神值得敬佩。我有时候想，如果所有人都随波逐流，那么谁来创造真正有价值的东西呢？总得有人坚守传统，坚持品质，即使这样做显得有点悲壮。袁子弹的这番话给了我很大的触动，让我意识到在创作领域，并不是所有的变化都是进步，有些传统和坚持是值得保留的。
王小枪提到对AI的忧虑，说有些公司喂给AI一些剧本可能存在版权问题，这个观点我之前没太想过。AI确实是个双刃剑，一方面可以提高创作效率，另一方面也可能带来版权等问题。想象一下，如果AI可以模仿任何人的创作风格，那么创作者的独特性还能存在吗？我们该如何保护创作者的权益？这些问题可能在未来会越来越突出。而且，如果AI能写出大量内容，那么对长剧的冲击可能比短视频更大，因为它可以快速生成大量剧本。所以王小枪的忧虑确实有道理，整个行业都应该思考AI带来的挑战和机遇。
徐萌说长视频网站接手传统电视剧产业这十年很血腥，把传统电视剧产业血洗了，这个说法很形象。回想一下，从电视台主导到视频网站崛起，确实有一个残酷的过渡期，很多传统制作方式被淘汰，很多人失去了工作。但她说她后来原谅视频网站了，因为它们推动了叙事的迭代，让电视剧变得更好看了。这种辩证的看法很有深度，变革总是伴随着阵痛，但如果最终结果是积极的，那么这种阵痛可能是值得的。不过，我也在想，现在的微短剧会不会重演当年视频网站颠覆电视台的历史，再次血洗整个行业呢？这是个值得思考的问题。
袁子弹说长剧把中老年人市场放弃了，所以微短剧才会有这么大市场，这个观点真的很有洞见。她提到爱上绝经的欢迎，就是因为中老年群体被忽视了。想想也是，视频平台一直强调年轻人和高净值人群，却忽略了数量庞大的中老年观众。他们同样有观看需求，同样有消费能力，却被主流内容创作者忽视了。这个市场缺口被微短剧填补了，所以微短剧才会如此火爆。这让我想到，其实内容创作不应该只盯着一个群体，应该尽可能覆盖不同年龄、不同背景的观众，才能真正做到内容的多元化和市场的最大化。
白一骢说长剧编剧迁移到微短剧赚不到钱，完成不了个人积累，也产生不了自豪感，这三点理由很有说服力。特压榨、毫无尊严地创作，又没有对于质量的把控，这这句话让人深思。创作本身应该是有尊严的，如果只是为了迎合市场或平台，不顾质量和创作者感受，那么即使作品被广泛传播，对创作者来说也是一种损失。想象一下把《山花烂漫时》改成《当山花烂漫时，霸道总裁来到我身边》，作为编剧还能说得出口吗？这个例子虽然有点夸张，但很好地说明了问题的本质：创作是需要尊严的，不能为了迎合市场而放弃自己的原则和标准。创作者需要在商业和艺术之间找到平衡，既能让作品有市场，又能保持自己的创作尊严。
郭靖宇对编剧的定义很有意思，他说编剧就是讲故事，讲经典的故事，并让这些故事对一代又一代的人形成陪伴。他提到蒲松龄的《聊斋志异》和吴承恩的《西游记》，这些经典作品历经数百年仍然有生命力，让人不禁思考：我们现在创作的作品能否流传百年？这个问题很有深度，也很有挑战性。在这个快节奏的时代，很多内容可能只是昙花一现，很快就会被遗忘。但如果能创作出真正有价值的作品，即使形式上可能不太流行，但内容上有深度和生命力，那么也许能够经受住时间的考验。这也是郭靖宇溜不要考虑多讲一些好点的故事，留给1000年以义所在。
汪海林用今年春节档电影时长变长的趋势来反驳长剧需要变短的观点，这个角度很新颖。他提到今年春节档电影平均时长比去年增加了20分钟，说明长度并不是问题的关键。他是因为长，他失去耐心是话简明扼要地指出了问题的本质。我觉得这就像吃饭一样，如果食物好吃，你会慢慢品尝，享受过程；如果不好吃，你会迫不及待地结束这顿饭。电影也是如此，好的电影即使很长也会让人沉浸其中，不好的电影即使很短也会让人觉得煎熬。所以关键不在于长短，而在于质量。这个观点其实和王小枪的烤鸭比喻异曲同工，都是在强调内容质量的重要性。
余飞对平台用技术、数据给认为这是西医的方法，应该中西医结合。这个比喻很有意思，也很有道理。技术和数据可以提供客观的分析，但创作是主观的、感性的，不能完全用数据来衡量。他呼吁评估中心不要过于关注细节，不要总在细节上挑毛病，而是要看根本原因。这让我想到，创作确实需要平衡技术和艺术，数据和感觉，理性和感性。过于依赖数据可能会限制创意，而完全忽视数据又可能脱离观众需溜这个说法很贴切，既要有科学的分析，又要有艺术的直觉，两者结合才能创作出真正好的作品。这对整个行业来说都是一个值得思考的方向。
余飞说传统编剧的经验很宝贵，但缺少系统性、有行业共识的总结，这个观点很犀利。他认为应该把这些经验总结出来，变成行业的文化遗产或操作手册。想想也是，中国电视剧发展了67年，积累了大量经验，但似乎没有形成系统的理论或指南。相比之下，好莱坞的编剧体系相对成熟，有很多经典的编剧理论和方法。中国电视剧如果能把这些宝贵经验总结出来，形成自己的理论体系，对行业发展肯定会有很大帮助。余飞还说从局部总结数据的方法不是整体的概念，这点也很有洞察力。有时候我们太注重某个具体的数据或指标，而忽略了作品的整体性和艺术性。创作不能完全靠数据驱动，还需要创作者的艺术感觉和价值判断。
白一骢对生成式AI对行业的影响有很深的思考，他预言AI将对行业有颠覆性影响。当一键生成视频，观众自选演员、画风定制内容时，整个行业可能面临危机。但他自己也在用AI辅助写剧本，并且鼓励年轻人了解和尝试新技术。这种既警惕又拥抱的态度很理性。技术的发展是不可阻挡的，与其抵制，不如学会利用。但同时也要意识到技术带来的挑战，思考如何在新的环境中保持竞争力。白一骢说AI模型辅助写我很好奇他是如何使用AI的，是帮助构思情节，还是生成对话，或者是其他用途？无论如何，这种尝试新技术的开放态度值得学习。也许未来编剧的工作方式会因为AI而发生很大变化，但编剧的核心价值——讲好故事的能力——应该不会被完全取代。
郭靖宇对科技进步持乐观态度，他说未来可能不需要平台支持也能输出作品。这个观点很有前瞻性，随着技术的发展，内容创作的门槛确实在降低，个人或小团队也有可能制作出高质量的内容。想象一下，如果未来有更便捷的创作工具和更多元的分发渠道，创作者可能会有更大的自主权和话语权。这对整个行业来说可能是一个巨大的变革，也可能给创作者带来更多机会。不过，平台的价值在于它的资源整合能力和流量优势，即使技术降低了创作门槛，平台在推广和变现方面仍然可能具有优势。所以未来可能是多元并存的格局，既有平台主导的大制作，也有个人或小团队的精品内容。
汪海林指出行业困境在于平台、创作者、制作方都挣不到钱。这确实是个值得关注的问题，如果行业的各个环节都无法获得合理的回报，那么整个行业的发展就会受到限制。他呼吁创造新的盈利模式，探索区块链、去中心化等新方向。这些想法很有创新性，虽然具体如何实施还需要进一步探讨，但至少提供了一些思路。郭靖宇支持分账模式，他以电影为例，认为剧集也。分账模式可能更公平，能让创作者分享作品成功带来的收益，激励创作者创作出更好的作品。不过，分账模式也有挑战，比如如何界定贡献，如何进行分配等。这些问题需要行业共同探讨，找到合理的解决方案。
文章最后提到AIGC、DeepSeek、虚拟拍摄这些新兴科技正在影响长、中、短剧的内容革新。这让我想到，技术的发展确实给内容创作带来了很多可能性，但也带来了挑战。虚拟拍摄技术可以降低制作成本，提高效率，让一些以前难以实现的场景变得可能。AIGC能够生成文本、图像、音频等内容，可能改变创作的方式和流程。这些技术的发展可能会模糊传统的行业边界，创造出新的内容形态和商业模式。但同时，创作者也需要思考如何在技术变革中保持自己的核心价值和竞争力。技术只是工具，如何使用这些工具创作出有价值的内容，仍然取决于创作者的能力和眼界。所以，无论技术如何发展，讲好故事、传递价值观、引起共鸣的能力，仍然是内容创作的核心。面对变革，保持开放的心态，同时坚守自己的创作理念，可能是最好的应对策略。
文切讨论都只是刚刚开始，一切的辩论都不话特别有意义。在这个快速变化的时代，没有人能够准确预测未来，我们需要更多的讨论和辩论来探索可能的方向和解决方案。长剧和短剧各有价值，传统和创新都有意义，关键是找到平衡点，创作出真正有价值的内容。这场讨论虽然没有得出明确的结论，但提供了多元的视角和思路，让人们对行业的现状和未来有了更深入的思考。希望这样的讨论能够持续下去，推动整个行业的健康发展。
