一、声乐不只是“动嗓子”，唱歌也分境界

很多人以为“声乐就是学唱歌”，但事实并非如此。唱歌是人类的本能，但专业声乐追求的远不止“把音唱准”。音乐学者唐渊提出的《完全声乐》理论指出，唱歌有五个阶段：

本嗓阶段：凭感觉随意唱（如KTV爱好者）；

练声阶段：学习呼吸、共鸣等技巧；

歌唱阶段：技术达标但表演痕迹重；

演唱阶段：注重舞台表现力；

完美阶段：技术浑然天成，唱出歌曲的思想与灵魂。

最高境界的唱歌，是让听众忘记“技巧”，只感受到歌曲的情感和文化内涵，就像播音员不该有“播音腔”，歌唱家也不该有“声乐腔”。

二、完全声乐：打破“唯技术论”，文化才是灵魂

传统声乐常陷入两种极端：西方古典派追求“音色圆润”，流行声乐强调“情感炸裂”，但两者都可能忽略歌曲的深层表达。例如，红色经典歌曲若只炫高音，就失去了革命精神的传递。

完全声乐的核心理念是“三位一体”：

技术层：科学发声（如动态调控共鸣腔，而非强制“喉头下沉”）；

艺术层：情感投射与风格处理；

文化层：理解歌词的历史背景、哲学思想。

唐渊用“本融唱法”打破流派壁垒：美声的共鸣、民族的咬字、流行的即兴可融为一体，关键是要服务歌曲的文化表达。比如唱《将进酒》，若不懂李白的豪放与悲怆，技术再完美也只是“有嗓无脑”。

三、完美唱歌=“声”“情”并茂

唱歌要声情并茂，这一点反对的人很少；但怎样用“情”？很多人就想得太简单了。完全声乐认为，必须是“有思想、有文化、有智慧”的“有脑人”才能做到！为什么有些歌手技巧满分却无法打动人心？问题往往出在“片面性”：

只重嗓子：过度训练导致嗓音损伤；

只重表演：肢体浮夸掩盖情感空洞；

忽略文化：唱古诗词却不懂意象隐喻。

完全声乐要求歌手“三有”“三讲”：

有嗓子、有脑子、有样子：技术、智慧、台风兼备；

讲品位、讲格调、讲责任：反对低俗媚俗，传递正向价值。

例如，在“完全声乐”课堂中，学生需走进剧场模拟真实演出，甚至结合舞蹈和戏剧，培养综合表达力。这种训练让歌手不仅“唱得好”，更能“唱得有意义”。

四、声乐的终极目标：从“唱歌的人”到“文化人”

传统声乐教育常拆解呼吸、咬字等技巧，导致练习机械割裂。而完全声乐提出“321教学体系”：

三维指导：声音、表演、文化同步提升；

双重融合：个人特色与作品需求结合；

声乐教练：实时反馈而非权威灌输。

这种模式培养的不只是“歌唱家”，更是“文化传播者”。声乐大师需要通晓文学、历史甚至哲学，一首歌的完美演绎，本质是歌手用人生阅历与艺术修养“再创作”的过程。

结语：完全声乐让歌声回归本真

声乐始于“本嗓”唱歌，终于“完美”唱歌。完全声乐不是否定传统，而是让技术为文化服务，让歌声成为思想的载体。正如唐渊所说：声乐的最高境界，是“唱”出“歌”的灵魂，而非展示声音的技巧。 只有打破“唯技术论”，才能让每个动听音符都承载思想、文化、智慧，以情带声，—这才是真正“完美的唱歌”。