宋代绘画将中国美学提到一个新的高度，通过解读宋代绘画中的人物、风景、绘画技法或者题诗等要素，能感受到宋人对美学的尊重、扩展和创新，也能了解到他们的人生态度。

同时，从宋代绘画中体现出的美学既有时代的精神，又对现代美学有借鉴和创新建议。

那么，宋代绘画是如何体现中国美学的？今人能从中借鉴到什么？

美学乍听之下是西方的理论，但实质上，中国早就有了“美学”一词的含义，只是没有一个确定的名词将其记录下来。

通过翻阅古籍，可以发现美学存在于古人对生活经验的积累中，属于一种精神状态，这个状态包括个人感性与知性。

宋人将其体现在绘画中，使宋代绘画成为中国美学的最好代表。

那么，宋代绘画是如何体现的？

首先来了解绘画的定义，绘画是原始艺术，有记号提醒的作用，到了后期，绘画已经成为记录生活的工具和某种象征符号，春秋战国时期的孔子将这一定义呈现出来，为后世奠定了基础。

比如礼乐制中的“游于艺”和“成于乐”就成为中国美学思想的先声，加上他提倡的君子六艺，文人将其加入了绘画当中，他们初步将符号与视觉艺术结合起来，促进美学思和行的结合进程。

到了宋代，美学与绘画已经发展到相对成熟的阶段，宋人往里填充了文人精神、创作经验及习惯等多个因素，使其“画人合一”。

先看文人精神的填充，研究者一致认为，传统的文人士大夫精神是绘画美学实践的根源，起初，绘画美学只停留在书本或个人思想中，即使有个别表现出来，也“画不达意”。

后来，理学在宋代发展并蔚然成风，三教合一在一定程度上改变了文人精神，有学者将太极图作为宋人的思维方式与绘画艺术的呈现，后期学者对其进行肯定与证明。

由于绘画是宋人思想现实性的表现，因此绘画的创造活动与他们的思想规律是一体的，故充满了人性的思考，阐明了自然本质。

可宋代绘画不是单一形式的，在后期的发展中，还产生了院体与写意两种风格，美学就在其中沉淀升华，进而影响宋人及后人的绘画创作和审美取向。

但在早期，宋代绘画美学与创作只有一种单纯化的思考方式，郭煕和苏轼对绘画的研究中有相关说明。

比如郭煕的《林泉高致》，其中详细说明了宋画美学的主体精神，苏轼美学观念中的“观物要审”和“胸有成竹”指出宋人绘画时单纯而又富有哲学性的思想态度和方式。

美学在其中体现为基本理念，即写实，此时的美学与宇宙之体和个人内在气质是一体的，因此在这个时候，宋画美学展现出来的是写实之风和寻理求性。

再来看宋人的创作经验及习惯，学者将其统称为形质。

宋画形质是宋画美学的表现之一，美学影响着形质的发展，从创造经验到创造历程，就是知行合一的过程，美学为其提供了发展方向。

比如宋画中的人像画、山水画与花鸟画，里面蕴含了丰富的美学知识和观念。

其中的人像画和山水画是宋画的主流，那时的人像画已经开启了象征化图形之路，将众多身份地位不同如文人、渔夫和农民都画成一类，在马麟的《静听松风图》可以说明。

而山水画出现了拟人的画境，表达形式独立自由，境界广阔空灵，大山大河占据大部分画面，主峰是主人，周围的林木是客人，植物的人格化通过纯粹的绘画成功出现。

值得一提的是院体画中的山水画，画家通过重视布局与下笔力量，为世人展现出画幅巨大且思想学识和修养极高的画作，将写实融入其中，表现“可思、可游”的大境界。

此次写实，是美学更进一步的写实，即从现实的实到灵魂的实，自然性理和人文修养都交融在其中，对后人的美学研究提供了探索思路。

其实不止画的种类能体现美学观念，绘画中的的色彩同样能体现。

道家有“五色目晕”的理念，佛家也不强调色彩繁复与靓丽，至于儒学，同样也是不将色彩居于主导地位，质量才是重心。

作为三教合一的宋代，自然也将色彩加入美学观念当中，尽管在宋初花鸟画中，重敷色是特色之一，但随着思想的改变和绘画技法的创新，宋画由深色到淡色再到无色。

如李唐的《万壑松风图》，他取的是自然之色，后人对他用色特点的评价是“山色有中无”，同样的，竹子画的作者也主张无色，不过他们的无色是墨的五彩色，即“浓淡干湿白”。

淡雅和谐且深刻表现自然意蕴的用色思想，是宋人在绘画中对美学的创新，此时的“观画如观人”，已经有了初步显现。

既然色淡了，那么作者有意追求的意境就产生了，宋画形质不仅是一种特殊美学境界，也是一种个人有意造境。

因为理学蔚然成风，所以宋人在作画时常常以理学角度寻找天地之性，取自然风光的精神，将情感寄托在万物当中，心无杂念的作画，从而创造出人画合一的大作。

里面有寥寥几笔的，也有繁复的，都说明了“人画一体”的特征，学识渊博的懂画者能够从中领悟某些思想，进而提高精神境界，这就使得思想和飘渺成为大家追求的宋画闪光点。

由此可见，宋画美学和理学让宋代重文艺重思想，使得他们的情感更加内敛，暗喻的思想也更多。

后人追求且夸赞的“无迹可寻”和“言有尽而意无穷”，就是宋代美学传到现代的内容之一。

除此之外，还有画作内容，宋人喜欢山水，山水便成了他们绘画的重点，理学思想和处世态度也被他们“画”在其中，宋画从写实到虚实结合再到情感思想象征，是宋代美学不断发展与升华的结果。

那么，这些对后世有何作用？

“画必宋元”是中国绘画史上点评的准则与依据，因为绘画在这个阶段达到极值，所有绘画的规则和技法都在此阶段完成。

对于形式和内容来说，特别是中国绘画风格的确定，即宋画完成的行质发展，为后世绘画美学奠定内容和思想基础。

首先来看宋画美学对当代实践的观念影响。

宋画的自主创新形式继承了前朝精神，是中国文化一脉相承的表现，那么也就说明，宋画美学观念与生活经验息息相关，它是生活经验的符号化和文本化。

由于三教合一的影响，宋画中既有儒家寄情于景的意志，又有道家的超凡脱俗和佛家的领悟，对当代实践影响最大的，是它对于儒学意志的继承与升华。

当代绘画百花齐放，各有各的欣赏点，但论起国人最喜欢的绘画种类，非山水画莫属。

山水画是古人与今人寄情和抒发人性的对象，也是“智者乐山仁者乐水”的说明，山水的性格特点与人的性格有相同点，它们相互交融，在宋代绘画中得到最好的体现。

后人研究原因，得出该体现是宋代理学和宋人心境变化的结果，加之绘画有“通天地之德，类万物之情”的观念，重点表现在于人的兴灵和人生百态。

宋人主张超凡脱俗和融情于景，在绘画中多以意识代表所见所想之景，使得宋画美学有飘渺和文人意识具体化的特点，这点值得当代作家继承与发展。

他们在现代绘画中已经创造了许多新的技法和观念，可不少画作中还是缺少灵魂，让观众和创作者感到可惜。

倘若他们能将宋画美学的特点读通读透，那么就能让自己的审美能力和创作水平更上一层楼。

最后来看宋画美学创作理念对技法的影响作用。

宋画境界广阔空灵，蕴含的气势神韵都根据个人绘画技法配合表现，可后世在欣赏宋画时，却似乎感觉不到技法的存在，这正是宋画的高明之处，它已经将技法融入画境，这是当代画家值得学习的一点。

现在举一个例子来说明，比如宋画中的山水画，该画的构图布局有创新性和继承性，它上接五代，下启两宋，值得学习与研讨的画法是巨碑派画法。

用通俗的话来说，是主次分明的画法，即大山大河在画幅中间，万物在侧边，范宽的《溪山行旅图》是该画法最优质的画作，至今还是当代画家学习模仿的蓝本。

再加上宋人特有的节操，使山水画成为宋代美学代表作，现代画家被现代资本主义和商品化经济推着前进，很少有人能静下心来作画。

倘若他们将山水画的精神读懂并融入到个人画作中，一定能取得不俗的成绩，也能推动中国绘画的发展。

宋画美学中的精神与意蕴是中华优秀传统文化的瑰宝，它不仅能向众人说明宋人的处世态度和创新精神，还能促进中国绘画史的向前发展。

所谓读史知史并用史，大抵如此。