昨天，期待已久的《我们的歌》第五季终于开播。

在目前已官宣的A组歌手中，飘又看到那张显眼的熟悉面孔：大张伟。

当然，如今在内娱综艺看到大老师的身影已见怪不怪，倒是很少见他如此流连于同一档音综，还连续参加了三季。

对此，他有自己的理由。

这就是属于我的游乐园

其实上一季节目大张伟就用开玩笑的口吻表白过：

别的节目对我来说是宽容

这个节目对我来说是纵容

区别在于，后者是懂“宠”歌手的。

的确，咱观众多少也算阅音综无数，对于歌曲的重新演绎，多是换了音色的翻唱，而少精彩动人的改编。

而被歌手视为游乐园，还“宠”出了不少新的经典金曲的节目，《我们的歌》还是头一个。

作为一档音乐类原创综N代，做到第五季依然触动人心，它的保鲜秘诀到底是什么？

一个精彩的舞台，自由度和创造力，往往缺一不可。

《我们的歌》最吸引人的一点，就在于它敢放手纵容歌手“玩”音乐。

跟往季一样，节目规则是让前辈和中、新生代歌手跨代合唱。

而这一季，节目组继续“搞事情”，新增了直通舞台的“电话抢人”玩法，在原本盲盒式配对的基础上，增加了更多可能性。

没想到的是，一个新规则也能被玩出笑点……还闹了个乌龙。

庾澄庆刚表演完，还没弄清规则的“迷弟”光良立马抢占热线，想寻求合作，殊不知歌手只能跨代合作（俩人同属前辈歌手），于是诞生了以下场面：

光良懵圈，哈林凝噎，观众乐翻。

不止规则，在这个节目里，好音乐也是“玩”出来的。

由经典金曲打底，歌手的创意和灵感再锦上添花。

这也是它能吸引这么多优质歌手的首要原因，尤其是本身喜欢尝试不同曲风的歌手。

比如，庾澄庆。

被称为“音乐顽童”的哈林，的确是乐坛一朵仙葩。

他是台湾乐坛首位集词曲、编曲、制作、演唱、弹奏于一身的六边形唱将，出道伊始，在此前还在流行民歌之声的80年代，他便开始融合欧美流行乐，做出更有节奏和律动的音乐，开创了华语乐坛的rap先河。

哈林早期的专辑里，既玩过超前多变、同时编排流畅得像即兴表演的复杂编曲，也做过极致深情的庾式情歌。

当同期其他歌手还在规规矩矩出专，他却大胆启用自己的虚拟形象，用变声器把自己的声音变成宝宝音，推出专辑《哈宝宝来了》。

果然还是你哈会玩。

实际上，早年在综艺《超级星期天》的固定板块“哈林夜总会”里，哈林就过过一把改编瘾，显露了十足灵动的创作才气。

如今的他，依然没改“音乐顽童”本色。

第一期歌手盲配，哈林果断选择一种平时很少玩的风格：和符龙飞合作《悟空》。

这首融合了戏曲元素的歌其实演唱难度极高，连身经百战的老唱将哈林都承认。

但俩人的合作依然让人惊喜：

哈林沙哑低沉的嗓音，自带一种老生的沧桑颗粒感，高音又饱满有爆发力。

搭上符龙飞宏亮温润、声韵清脆的小生戏腔，虽然没合体彩排过，但声音合在一起却高度默契。

如果说，哈林玩的是新风格的尝试。

那大张伟玩的，则是一种舞台张力。

看过前几季的观众，大概都会对大张伟的改编玩法有一种意料之中的惊喜。

好怪，但又不意外。

不论是热血摇滚版《忽然之间》，京韵大鼓相声版《梦醒时分》，还是糅合了20种曲风、妙趣横生的《我的果汁分你一半》，改编都很大胆，主打一个出奇制胜。

但这次，一向爱燥的“朋克伟”难得深情一回，和时代少年团马嘉祺合唱一曲《Fly Me To The Moon》。

带点慵懒小性感的大式深情，搭配马嘉祺清亮的声线和轻柔的咬字，给这首歌铺上一层朦胧飘逸的美感。

两个男人同台，竟碰撞出了满屏的浪漫泡泡。

我们的歌

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你会发现，他们玩归玩，却还总能玩出新鲜感和挑战性。

玩音乐，其实是尊重音乐、突破自我的一种包容心态。

另一个吸引我的地方是：

《我们的歌》在做的，并非贩卖情怀，而是属于这个时代的“金曲秀”。

怀旧感动之余，依然有让人心头一热的共鸣。

对于我们这代人来说，这季同样有记忆中熟悉的声音。

比如情歌王子，光良。

试问当年谁没一边哼着“我愿变成童话里你爱的那个天使”，一边为《童话》MV里的故事流过泪？

听《第一次》时，借着光良温柔的嗓音，诉说纯真初恋中的少年心事。

这类更擅长走心的歌手并非玩不起来，只是他们的游乐园藏在心里。

好比第一期，光良在创作自己的AI自画像时，就描述过一个坐在月球上的孤独王子。

他说，像这样一个人呆在自己的小小世界里安静思考，就是他一直以来的创作常态。

他们习惯独自专注创作音乐，或用声音和对歌词的理解，将歌里的情感和情怀准确传达出来。

因此，即便时光变迁，他们的声音依然能让人共情。

这次光良搭档陈卓璇和徐子未合作《流沙》，三人同属温暖声线，但又略有不同。

陈卓璇清透，徐子未醇实，默契和声恰到好处。

而光良几十年如一日的清澈少年音一出来，更是瞬间把我拉回记忆中的某个夏天。

我们的歌

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当年这位内敛的理工男，其温柔忧郁的声音常被用以表达少年心声。

而另一位，台下喜剧人，台上一直是情感细腻的天生歌姬黄丽玲A-Lin，则常被用以宣泄成人式的悲伤情绪。

小时候听《给我一个理由忘记》《失恋无罪》，那时的我们或许还消化不了歌词的厚重，但在她情感饱满的声音中，却大致能感受到一种畅快淋漓的情绪释放。

和光良一样，这次A-Lin和曾比特合作《记得》，也把自己的优势发挥得淋漓尽致。

A-Lin还是擅长用饱满的情绪诠释歌曲的内涵。极具故事感的醇厚音色和带着技巧性的转音处理，道出了感情由浓转淡的无奈和复杂。

而曾比特同样厚实的嗓音和张弛有度的控制，则新添了一种松弛气质。

当俩人的声线搭在一起，便给这首歌注入了一股哀而不伤的力量感。

正如正在适应节目玩法的光良所感慨的，“出道二十几年还是有新的东西没试过”。

跨代歌手的合作也不只是音乐的单向传承，而是双向的讨教和指教。

所以我更期待的，反而是这些本身风格鲜明的歌手。

毕竟这个舞台，除了能让歌手驾轻就熟地玩音乐，还有激发和挖掘音乐潜能的功能。

犹记得上一季周传雄唱《斗罗大陆》。

没想到，平日温柔儒雅的情歌教父，竟和张淇、萧敬腾同台玩了一把热血摇滚，适配度极高，也着实给屏幕前的我们带来极大的震撼和惊喜。

在跨代合作的规则下，诞生了一场场跨越时空的交流，歌手们自我开发也好，自我颠覆也罢，的确很难不让人期待。

为什么我们听不腻经典金曲的新演绎？

说到底，并不是为了感怀过去，而是为了当下的自我慰藉。

在对经典的不断发现中，用惊喜和新鲜感刺激和丰盈自己。

恰如第五季的主题，“一路为伍，向生绽放”。

不同时代都有音乐一路为伍，且留存着每个时代的印记，但我们可以通过注入新的理解，在熟悉的旋律中引发新的情绪共鸣。

因此，虽然节目做的是经典金曲的新演绎，却不是在往回走，而是向前看。

如果说前几季主题侧重怀旧，这季则着眼于脚下的生活、生命和生机。

从选曲上看，《Fly Me To The Moon》是第一首在月球上播放的人类歌曲，在这个舞台上，呈现出一种自由飘荡在太空的呼吸感。

还有大张伟心心念念的那首《在路上》。

原来，大张伟执着于唱这首歌的背后，还牵扯出一个关于音乐初心的故事：

这首歌是大张伟的伯乐麦田守望者乐队的作品，在这次重唱经典中，大张伟意在感激知遇之恩，回归音乐初心。

更是为了传达歌曲中“我丧失了我的理想，但仍遍地开放”的音乐力量，将当年被音乐击中的美好瞬间献给这个舞台，以及如今的自己。

以前的大张伟，有点像塞林格小说《麦田里的守望者》里，同样迷茫、矛盾、叛世的主人公霍尔顿，只不过他找到了音乐这一表达出口。

因此听这首歌的时候，总让我想起大张伟15、16岁写的《静止》《破灭》《花》……那种少年也识愁滋味的苦闷表达。

不同的是，如今他的歌声里，那种少年直白的反叛已变成一种阅尽千帆后的坦然和自由。

抛开情绪宣泄式的编曲和唱法，只是满怀热忱地唱着，搭配陈卓璇清甜干净的声线，愈发真诚得动人。

《我们的歌》的舞台诞生了不少金曲，也见证了不少歌手的变化。

几季下来，我们看到的，仿佛还是原来记忆里的那些歌手，但又变了，且不知道接下来还会怎么变。

整体而言，这季流淌着一股拥抱当下和未来的治愈暖意。

还没匹配到搭档的符龙飞，在听完曾比特表演后，反而在撮合他和自己的理想搭档哈林。

第一期徐子未抱憾离开舞台之前，歌手们暖心鼓励。留下来的，还有一个专属于他的solo舞台。

在这个舞台上，歌手之间惺惺相惜，且无关输赢，只为作品。

到这，我也大概看懂了大张伟和这档节目的互相偏爱。

他曾说：

我从小就觉得世界上有好多特别烦人特别讨厌的事，多得跟星星一样，但音乐就是太阳，太阳一出来星星就不见了，我一直希望我的歌能成为太阳，但太阳有时候会显得过于直接，显得有点刺眼。

如果说其他舞台只是呈现他的耀眼，那这场音乐狂欢，便是在包容他的刺眼，以及保护他那因为刺眼而可能畏缩的自信。

懂他那些难被常人理解，甚至连自己都不够确定的奇思妙想。

都说忠于自己的美好这事非常难，但这群懂他的人，给足了他忠于自己的底气。

不只是歌手，《我们的歌》也是歌手和观众之间一座成年人的游乐场，跨越年龄和身份，又以音乐为链接，听听故事、共享情绪、甚至感悟人生。

在这个容易自我禁锢的时代，每个人心里也的确需要这样一座种着音乐因子，适当纵容和宠爱自己的游乐场。

撒欢也好，疗愈也罢，或仅仅感知当下的感受，并向前跳脱出来。